Pour sa 3e édition, Complètement Design, produit par Index-Design et présenté par Tafisa Canada, a investi les deux étages du Grand Quai du Vieux-Port de Montréal. Deux vastes salles industrielles, totalisant plus de 40 000 pieds carrés, ont servi de canevas à la scénographie signée par Ivy Studio, et accueilli 2 000 visiteurs à l'événement annuel dédié à l’écosystème du design le 3 avril.

Rassemblant architectes, designers, fabricants et artistes, la journée était à la fois festive et immersive. En un temps de montage record, l’équipe de scénographie a accompli la prouesse d’articuler la revalorisation de l’existant à une mise en espace inédite, en cohérence avec le thème central 2025. Ce lieu iconique de Montréal s’est ainsi vu transformé en une expérience éphémère et marquante, pensée pour un public de professionnels en architecture et design. Résultat : un espace de circulation, de dialogue et de découvertes, porté par une scénographie minimaliste et profondément expressive.

Le processus comme langage scénographique

Le thème de l’édition 2025, Génération Générative – Design en processus, célébrait ce qui est habituellement caché : les esquisses, les erreurs, les matières premières et les premières intentions. En plaçant le processus au coeur de l’expérience, l’événement célébrait une esthétique en devenir, un design vivant, parfois perçu comme inachevé. 

Au rez-de-chaussée, les visiteurs étaient accueillis par une zone d’accueil et un café-buvette. Trois murs courbes en Tyvek translucide filtraient la lumière et l’espace, dévoilant progressivement le cœur de l’événement : une vaste salle d’exposition horizontale, où près de 80 exposants présentaient leurs produits dans des stations modulaires. À l’arrière, une scène secondaire permettait la tenue de conférences informelles. Une boutique éphémère, regroupant des beaux-livres et objets créés localement issus d’une curation attentive au thème annuel, complétait cette première séquence.

À l’étage, l’ambiance se faisait plus posée. Une salle de conférence de 400 places accueillait une programmation soutenue de présentations de grands noms du design local et international parmi lesquels Matali Crasset, Michel Dallaire, Harry Nuriev, Sonia Gagné, et Christopher Dessus. À l’opposé, un restaurant-concept offrait une expérience culinaire toute la journée. Entre les deux, une galerie linéaire présentait une série d’installations artistiques et une projection, liées à la thématique annuelle.

Au restaurant, une grande table rassembleuse composée de panneaux de contreplaqué noir et de structures de scène occupait le centre de la pièce. Autour, une collection de chaises prêtées par des designers locaux créait une composition éclectique et vivante. Toutes étaient présentées à l’état brut : joints visibles, matériaux apparents, surfaces non finies. Des menus illustrés, placés sur la table, décrivaient chaque chaise, leur créateur, et leur histoire de fabrication, comme une carte de vin artisanale dans un bar de quartier. Au cœur, une installation de Studio Sveja mêlait mousse, terre et grillage pour composer un paysage circulaire dominé par une chaise sculpturale végétalisée célébrant la beauté insaisissable des créations en devenir. Non loin, le luminaire Galagog de Gim Bert et son imposant moule dominaient les comptoirs du restaurant.

Plusieurs interventions ponctuaient l’espace à proximité. Un lounge de prototypes rassemblait des pièces de mobilier en phase exploratoire — le divan VM02 signé Ivy Studio, la table Brass et Patina et une chaise par L’Autre Atelier, le banc Tom de Reggy St-Surin et le prototype d’étagère Quinlan Osborne pour Claste Collection — parfois vouées à la production, parfois uniques, toujours en processus.

Dans le hall, l’artiste Delphine Huguet suspendait des soies colorées à travers la structure d’un mur non fini, apportant une douceur tactile au langage constructif. Plus loin, le collectif canadien Double Entendre présentait une série d’objets uniques où chaque pièce racontait son propre processus, visible dans ses détails laissés apparents, et questionnant les rigidités imposées par des approches de production standardisées.

L'emploi du temps, projection vidéo de Thomas Balaban, réunissait des designers québécois explorant l'IA générative. L'œuvre mettait en lumière des créations inspirées par l'ambiguïté, la réinvention et la quête de l'inattendu, où l'imprévisibilité et l'intention se trouvent en équilibre.

Design temporaire, pensée générative

La scénographie assumait une esthétique brute, transitoire et fonctionnelle. Des murs autoportants en bois brut, recouverts de Tyvek de chantier, divisaient les espaces tout en laissant filtrer la lumière. Leur matérialité soulignait le caractère éphémère de l’intervention, conçue pour être réemployée sur de futurs chantiers. Certains organisaient la circulation, d’autres servaient de support à l’affichage ou à la création.

Le mobilier, réutilisé d’éditions précédentes, a été transformé en nouvelles compositions. Les modules rectangulaires, combinés à de nouveaux plateaux noirs, formaient les tables d’exposition. D’autres modules étaient utilisés comme façades de comptoirs ou comme bancs. L’ensemble créait une grammaire visuelle cohérente, à la fois familière et transformée.

En écho au thème central, chaque exposant intégrait à son espace un miroir carré, un objet ou un fragment de matière, symbolisant le reflet de son processus créatif ou de sa démarche.

Complètement Design s’impose, année après année, comme le rendez-vous phare pour la communauté créative canadienne de l'aménagement. Plus qu’un salon, c’est un lieu de contact, d’échange et de transmission. L’édition 2025, en plaçant le processus au centre de la réflexion, a su faire émerger un autre récit du design — celui de la transition, du chantier, de l’essai; une vision ancrée dans l’humain et dans le partage.